Love Songs Opéra by Ana Sokolović, a piece written in 16 movements, presents a woman who sings about love, who sings the simple words «I love you» in 100 different languages. A woman, a mother, a lover, a widow, a child who experiences the great mosaic made from all the colours of the world, of every epoch and every stage of love. An opera created for solo voice and saxophone, Love Songs Opéra is an updated version of the original created in 2008; a great adventure that Marie-Annick Béliveau has chosen to share with Jean Derome. The saxophone represents the orchestra as much as perfume from the Orient, a happy companion, an accomplice, a commentator, a friendly foe, and an object of desire.
A meeting of two exceptional artists, two electrifying performers directed by the choreographer, dancer and musician, Frédérick Gravel, who recently amazed the Montréal artistic scene with his production of Some Hope for the Bastards.
Ouverture
Interlude — Doves I
Tableau 1 — amour pur — amour fol
Interlude — Doves II
Tableau 2 — amour tendre
Interlude — Doves III
Tableau 3 — amour enfantin
Interlude — Doves IV
Tableau 4 — amour mature
Interlude
How do I love Thee?
Tableau 5 — amour en deuil
Poème 65 — Catulle
Poème 101 AUX MANES DE SON FRÈRE — Catulle
“Il est de ces soirées dont on ne sort pas entièrement indemnes, tant la portée du discours musical est forte. L’engagement de la mezzo-soprano Marie-Annick Béliveau, accompagnée par Jean Derome au saxophone, envers ces Love Songs est absolu: en 50 minutes très intenses, nous passons par toute la gamme des émotions.”
– Claudine Jacques, L’Opéra (Canada), November 15, 2017
Love Songs Opéra d’Ana Sokolović, œuvre en 16 mouvements, met en scène une femme qui chante l’Amour, qui chante les simples mots «je t’aime» en 100 langues. Une femme, une mère, une amoureuse, une veuve, une enfant qui évolue dans une grande mosaïque composée de toutes les couleurs du monde, de toutes les époques et de tous les états amoureux.
Création pour voix et saxophone, Love Songs Opéra offre une toute nouvelle version de l’œuvre originale de 2008; une grande aventure que Marie-Annick Béliveau a choisi de partager avec Jean Derome. Le saxophone se fait à la fois l’orchestre, le parfum de l’Orient, le joyeux compagnon, le complice, le commentateur, le bel ennemi, l’objet du désir.
Réunion de deux interprètes d’exception, deux artistes électrons libres, dans une mise en scène de Frédérick Gravel, chorégraphe, danseur, musicien qui a récemment enflammé la scène montréalaise avec son spectacle Some Hope for the Bastards.
Ouverture
Interlude — Doves I
Tableau 1 — amour pur — amour fol
Interlude — Doves II
Tableau 2 — amour tendre
Interlude — Doves III
Tableau 3 — amour enfantin
Interlude — Doves IV
Tableau 4 — amour mature
Interlude
How do I love Thee?
Tableau 5 — amour en deuil
Poème 65 — Catulle
Poème 101 AUX MANES DE SON FRÈRE — Catulle
“Into Spain’s past via a new and entrancing opera… From the composer and librettist through the artistic and muscial directors, the production exude, purposefulness and sense of smooth collaboration… what makes this production an absolute pleasure: the fabulous inventive set and lighting design… crisply intelliogent staging… appropriately evocation of a classical past…”
Alan Conter, The Globe and Mail (Canada), November 24, 2001
“Un coup de théâtre à l’opéra… la magie opère à coup sûr et on ne s’y ennuie pas une minute durant leur trois quart que dure le spectacle… La mise en scène ultracréative et ludique de Wajdi Mouawad et les éclairages d’une vision kaléidoscopique d’Axel Morgenthaler… On nage en plein surréalisme et Manuscrit trouvé à Saragosse est tout sauf ce qu’on a déjà pu voir sur une scène d’opéra. Une fantasmagorie efficace et une distribution convaincante des deux côtés de la production font de cet opéra nouveau un show qu’il faut voir.”
Guy Marceau, La Presse (Canada), November 23, 2001
Alfons van Worden, capitaine de la garde wallon du roi d’Espagne, traverse la Sierra Morena afin de se rendre à son régiment. Rencontrées dans une auberge déserte (ou en rêve?), il apprend qu’en tant que descendant de la famille Gomelez, il est destiné à d’importantes missions. Mais il doit affronter de nombreuses épreuves. Dans le château mystérieux d’un cabaliste, il écoute des histoires extraordinaires. Le cabaliste dispute son âme à un rationaliste et mathématicien, Velasquez, et van Worden est mêlé à une multitude de situations fantastiques et comiques où il rencontre d’incroyables personnages.
Alfons van Worden, capitaine de la garde wallon du roi d’Espagne, traverse la Sierra Morena afin de se rendre à son régiment. Rencontrées dans une auberge déserte (ou en rêve?), il apprend qu’en tant que descendant de la famille Gomelez, il est destiné à d’importantes missions. Mais il doit affronter de nombreuses épreuves. Dans le château mystérieux d’un cabaliste, il écoute des histoires extraordinaires. Le cabaliste dispute son âme à un rationaliste et mathématicien, Velasquez, et van Worden est mêlé à une multitude de situations fantastiques et comiques où il rencontre d’incroyables personnages.
«Into Spain’s past via a new and entrancing opera… From the composer and librettist through the artistic and muscial directors, the production exude, purposefulness and sense of smooth collaboration… what makes this production an absolute pleasure: the fabulous inventive set and lighting design… crisply intelliogent staging… appropriately evocation of a classical past…»
Alan Conter, The Globe and Mail (Canada), 24 novembre 2001
«Un coup de théâtre à l’opéra… la magie opère à coup sûr et on ne s’y ennuie pas une minute durant leur trois quart que dure le spectacle… La mise en scène ultracréative et ludique de Wajdi Mouawad et les éclairages d’une vision kaléidoscopique d’Axel Morgenthaler… On nage en plein surréalisme et Manuscrit trouvé à Saragosse est tout sauf ce qu’on a déjà pu voir sur une scène d’opéra. Une fantasmagorie efficace et une distribution convaincante des deux côtés de la production font de cet opéra nouveau un show qu’il faut voir.»
Guy Marceau, La Presse (Canada), 23 novembre 2001
La petite Julie a été retrouvée après une disparition de trois semaines. Le psychologue l’interroge pour comprendre pourquoi elle s’est cachée avec son chien au pied du cadavre de sa grand-mère, dans la cave de celle-ci. Et, pourquoi, ne veut-elle rien dire? Sa grand-mère lui a légué, cette nuit-là, le rêve de Pacamambo.
A young girl named Julie is found three weeks after going missing. A psychologist speaks with her to find out why she hid with her dog in her grandmother’s basement, at the foot of her grandmother’s corpse. Why won’t she talk? Because that was the night her grandmother gave her the dream of Pacamambo.
A young girl named Julie is found three weeks after going missing. A psychologist speaks with her to find out why she hid with her dog in her grandmother’s basement, at the foot of her grandmother’s corpse. Why won’t she talk? Because that was the night her grandmother gave her the dream of Pacamambo.
La petite Julie a été retrouvée après une disparition de trois semaines. Le psychologue l’interroge pour comprendre pourquoi elle s’est cachée avec son chien au pied du cadavre de sa grand-mère, dans la cave de celle-ci. Et, pourquoi, ne veut-elle rien dire? Sa grand-mère lui a légué, cette nuit-là, le rêve de Pacamambo.
«L’histoire toute simple, belle, touchante, la musique subtile, épurée et très contemporaine, la mise en scène dynamique, ingénieuse et raffinée, la scénographie colorée et inventive, l’interprétation aussi vivante qu’impeccable des cinq chanteurs, la symbiose parfaite du duo de musiciens leur auront sûrement fait dire en chœur «Ah? C’est ça de l’opéra? Ben, on aime ça»…»
Dominique Lachance, Le Journal de Montréal (Canada), 4 décembre 2002
«… Les mélodies abstraites et très actuelles de Zack Settel sont mariées à des passages rap qui parlent aux jeunes dans un langage qu’ils connaissent pour mieux les amener ailleurs, vers l’inconnu…»
Ève Dumas, La Presse (Canada), 3 décembre 2002
«Cette nouvelle production de Chants Libres réussit, au niveau de la scénographie, un petit miracle… Les personnages collent à la peau des protagonistes… les enfants vont en adorer plus d’un. Pauline Vaillancourt voulait offrir de la poésie d’opéra au jeune public. Elle peut être fière, comme toute son équipe, du résultat.»
François Tousignant, Le Devoir (Canada), 2 décembre 2002
“The story is simple, beautiful and touching, the music is subtle, spare and very contemporary, the direction is dynamic, ingenious and refined, the design is multi-coloured and inventive, the performance of the five singers are as lively as they are impeccable, and there is a perfect symbiosis of the musical duo. It almost certainly made the audience think: “Oh, that’s opera? Well, I like it…””
Dominique Lachance, Le Journal de Montréal (Canada), December 4, 2002
“… Zack Settel’s abstract and very modern melodies are blended with rap lyrics that speak to young people in a language they can understand, and that will bring them to other worlds, to the unknown…”
Ève Dumas, La Presse (Canada), December 3, 2002
“…this successful new production by Chants Libres is a minor miracle on a scenic level… the characters seem tailor-made for the performers… the children will love them all. Pauline Vaillancourt wanted to create poetic opera for young audiences. She and her entire creative team should be proud of the result.”
François Tousignant, Le Devoir (Canada), December 2, 2002
«L’archange is obviously a very hard and tense piece with powerful performance and visual elements. […] the most tangible proof of the effectiveness of a performance is the incredible silent silence that floats in the room between the judge’s last strike of the gavel, and the beginning of the applause.»
Patrick Mathieu, Theatre Forum (Canada), 1 mars 2006
«L’excès même de l’opéra. Cet ensemble opératique nous envoûte. Car l’effet de cette œuvre sur le spectateur est indéniable. […] une performance magistrale dont on ressent immanquablement toute la force. Le lieu et son exploitation par la scénographie y sont aussi pour beaucoup. La musique qui les soutient est en constante convulsion. Persistante, obsédante, elle est un véritable flux sonore. Elle sait rendre tout l’excessif de ce projet d’opéra, fondé sur un registre du débordement et du chaotique.»
Sylvie Campeau, Etc (Canada), 1 décembre 2005
«… les voix s’unissent en un trio presque digne de figurer aux côtés de celui du Chevalier à la rose de Strauss.»
François Tousignant, Le Devoir (Canada), 2 mai 2005
«Le texte est assorti de musique provenant d’un peu partout et d’une prodigieuse installation vidéo. […] le comédien joue avec vérité, les trois femmes sont fortes, vocalement et dramatiquement.»
Claude Gingras, La Presse (Canada), 30 avril 2005
«There is a transcendent promise of beauty from Chants Libres, our principal exponent of out-there opera.»
Arthur Kaptainis, The Gazette (Canada), 30 avril 2005
«La compagnie Chants Libres aligne depuis 1990 les créations les plus iconoclastes et renouvelle à chaque fois les conventions opératiques. Rien n’arrête le désir de Pauline Vaillancourt de faire sortir l’opéra de ses gonds.»
Réjean Beaucage, Voir (Canada), 28 avril 2005
“L’archange is obviously a very hard and tense piece with powerful performance and visual elements. […] the most tangible proof of the effectiveness of a performance is the incredible silent silence that floats in the room between the judge’s last strike of the gavel, and the beginning of the applause.” Patrick Mathieu, Theatre Forum (Canada), March 1, 2006
“L’excès même de l’opéra. Cet ensemble opératique nous envoûte. Car l’effet de cette œuvre sur le spectateur est indéniable. […] une performance magistrale dont on ressent immanquablement toute la force. Le lieu et son exploitation par la scénographie y sont aussi pour beaucoup. La musique qui les soutient est en constante convulsion. Persistante, obsédante, elle est un véritable flux sonore. Elle sait rendre tout l’excessif de ce projet d’opéra, fondé sur un registre du débordement et du chaotique.”
Sylvie Campeau, Etc (Canada), December 1, 2005
“… les voix s’unissent en un trio presque digne de figurer aux côtés de celui du Chevalier à la rose de Strauss.”
François Tousignant, Le Devoir (Canada), May 2, 2005
“Le texte est assorti de musique provenant d’un peu partout et d’une prodigieuse installation vidéo. […] le comédien joue avec vérité, les trois femmes sont fortes, vocalement et dramatiquement.”
Claude Gingras, La Presse (Canada), April 30, 2005
“There is a transcendent promise of beauty from Chants Libres, our principal exponent of out-there opera.”
Arthur Kaptainis, The Gazette (Canada), April 30, 2005
“La compagnie Chants Libres aligne depuis 1990 les créations les plus iconoclastes et renouvelle à chaque fois les conventions opératiques. Rien n’arrête le désir de Pauline Vaillancourt de faire sortir l’opéra de ses gonds.”
Réjean Beaucage, Voir (Canada), April 28, 2005
Un juge décide de faire passer l’Archange du mal en jugement par contumace. Le juge aligne les chefs d’accusation. Le seul à vouloir et à pouvoir défendre l’Archange serait l’artiste, au nom des œuvres que le mal a pu inspirer. Mais la beauté peut-elle l’acquitter? À mesure que le procès avance et que les témoins à charge viennent déposer à la barre, le juge perd le contrôle du procès et se laisse gagner par la confusion grandissante. Le procès est suspendu et l’Archange échappe au jugement. La folie initiale du juge, cohérente parce qu’idéaliste, est devenue folie incohérente dans sa confrontation au mal.
A judge decides to try the Archangel of Evil in absentia. He lays out the charges. The only witness willing and able to defend the Archangel is the artist, in the name of the works of art that evil has inspired. But can beauty acquit him? As the trial progresses and the witnesses are called to the bar, the judge loses control of the proceedings and is overcome by the growing confusion. The trial is suspended and the Archangel escapes judgement. The initial folly of the judge, which was coherent because it was idealistic, becomes incoherent madness as he is forced to confront evil.
In an environment where various musical styles, virtual and real universes, robotics and intelligent fabrics are the norm… what happens to physical human relationships?
The internet is a place where anyone can tell their story, broadcast their idea, display themselves, reinvent themselves. It is a place where journalism, fact and fiction coexist and the concept of absolute truth is impossible. It is a place where the love of music is front and centre. William Benjamin observed the impact that the recorded medium had on memory and culture some fifty years ago. Now the recording, and techniques once reserved for studio producers, have become the musical instruments of our time, The history of recorded music seems imbedded in our collective memory. How many times do we hear a tune many years after the original release and still remember every change, every word? But if we are to hear it again, perhaps we can make it new by a remix! There is a joy to this constant rediscovery, recontextualisation and rebirth. At the age of 21, I had my own first experience of the power of popular culture when I decided that I should actually give the Rolling Stones a chance, and so I bought a two-LP set called “Hot Rocks” and sang along to every song, with complete knowledge of all the tunes and words. Popular music is “ear glue.” It just sticks.
Tonight you are in a high-tech bar filled with images and sound. Our story begins with a blues tune, apparently sung in karaoke, but quickly sounds become multilayered, cut up, and our sonic identity dissolves into waves of different musics, each one offering a potential identity or style by which one could live. Does our culture then reject the monad of the single story and embrace the complexity? Or are there still some fundamental issues to deal with in this new, complex, and demanding playground?
— John Oliver
Alternate Visions emerged from my interest in exploring the intimacy and alienation present in our contemporary society.
Our wired connections provide a sense of intimacy — we can communicate with everyone globally; we can express ourselves daily in blogs and videos; our private lives can now be lived publicly through television reality shows, through 24-hour views into our spaces in front of our computers. We have become voyeurs, stationary creatures typing our emotions onto keyboards, looking into the cool eyes of digital cameras.
While all this appears to have us more connected to everyone, in reality we are more faceless and more alone than ever, our eyes reflecting blue screens, our selves flickering in darkened rooms. Technology has expanded our interaction with the world, yet it has also alienated us from human interaction at home. From this exploration into simulated intimacy, grew the protagonists of Alternate Visions, Alex and Valerie, two busy young professionals who meet online. Their interaction through technology intensifies until one of them suggests that they should meet face to face. Of course, this is much more difficult than it seems, because the two lovers have never embraced real intimacy.
— Genni Gunn
“Étrange Alternate Visions […] mais plus dense que bien d’autres spectacles multi-médias.”
Odile Québec, Le Devoir (Canada), May 5, 2007
“Vaillancourt is known for tackling works that are contemporary, not just in their musical language. She delights in commentary on current pop culture. The Usine C space for instance, is configured as a techno dance club, complete with bar, suspended TV monitors and some nifty robotic devices. She has also assembled an ideal team to make this vehicle sing […] the company assembled a solid roster of singers. What does follow, though, are some very beautifully sung duets and a really powerful ensemble leading to the show’s climax.”
Alan Conter, The Globe and Mail (Canada), May 3, 2007
“… bluesy arias are delivered with warmth […] a mock-romantic duet for the supporting characters had an agreeable air of Broadway.”
Arthur Kaptainis, The Gazette (Canada), May 3, 2007
«Étrange Alternate Visions […] mais plus dense que bien d’autres spectacles multi-médias.»
Odile Québec, Le Devoir (Canada), 5 mai 2007
«Vaillancourt is known for tackling works that are contemporary, not just in their musical language. She delights in commentary on current pop culture. The Usine C space for instance, is configured as a techno dance club, complete with bar, suspended TV monitors and some nifty robotic devices. She has also assembled an ideal team to make this vehicle sing […] the company assembled a solid roster of singers. What does follow, though, are some very beautifully sung duets and a really powerful ensemble leading to the show’s climax.»
Alan Conter, The Globe and Mail (Canada), 3 mai 2007
«… bluesy arias are delivered with warmth […] a mock-romantic duet for the supporting characters had an agreeable air of Broadway.»
Arthur Kaptainis, The Gazette (Canada), 3 mai 2007
Dans un lieu ou s’entremêlent les styles musicaux, les univers virtuels et réels, la robotique, les tissus intelligents… que deviennent les relations humaines, charnelles?
Internet constitue un lieu où tout individu peut raconter son histoire, diffuser ses idées, s’afficher, se réinventer. C’est un endroit où le journalisme, la réalité et la fiction cohabitent et où le concept de la vérité absolue ne peut exister. L’amour de la musique y occupe une place centrale.
William Benjamin a observé l’impact de la musique enregistrée sur la mémoire et la culture il y a de cela une cinquantaine d’années. Or, l’enregistrement et les techniques jadis réservées aux producteurs sont devenus les instruments de musique de notre temps. L’histoire de la musique enregistrée semble ancrée dans notre mémoire collective. À qui n’est-il pas arrivé d’entendre une chanson de nombreuses années après sa sortie originale et de se rappeler chaque changement, chaque parole? Mais si l’on est pour réécouter une telle chanson aujourd’hui, pourquoi ne pas lui donner un nouveau souffle en la remixant? Ce processus continuel de redécouverte, de recontextualisation, de renaissance, procure une joie immense. À l’âge de 21 ans, j’ai témoigné pour la première fois du pouvoir de la culture populaire lorsque je me suis enfin décidé à donner une chance aux Rolling Stones. J’ai donc acheté un ensemble de deux disques intitulé Hot Rocks. En l’écoutant, je chantais en même temps que toutes les pistes, avec une connaissance parfaite des paroles et de la musique.
La musique populaire est comme une «colle auditive»: elle se fixe dans notre oreille.
Ce soir vous vous trouvez dans un bar high-tech rempli d’images et de sons. Notre histoire débute avec un air de blues, d’abord chanté dans le contexte d’un karaoké, mais rapidement, les sons se superposent, se découpent, et notre identité sonore se dissout dans des vagues de musiques différentes, chacune offrant une identité ou un style selon lequel nous pourrions potentiellement vivre. Notre culture rejette-t-elle alors la monade de l’histoire unique et embrasse-t-elle cette complexité? Ou existe-t-il encore des questions fondamentales à examiner sur ce terrain de jeu nouveau, complexe et exigeant?
— John Oliver
Alternate Visions provient de mon désir d’explorer l’intimité et l’aliénation qui existent dans notre société moderne.
Les connexions que nous fournissent les technologies créent un sentiment d’intimité: nous pouvons communiquer avec des gens à travers la planète, exprimer nos pensées à chaque jour par le biais de blogues et de vidéos, étaler nos vies privées sur la place publique grâce aux émissions de téléréalité et être vus dans nos espaces 24 heures sur 24 grâce aux ordinateurs. Nous sommes devenus des voyeurs, des créatures stationnaires tapant nos émotions sur des claviers d’ordinateur, voyant la vie à travers les yeux froids des caméras digitales.
Bien que ces technologies semblent nous rapprocher de tout le monde, en réalité, nous sommes plus anonymes et plus seuls que jamais. Nos yeux sont devenus des écrans bleus, nos personnes clignotent dans des chambres assombries. La technologie a élargi notre interaction avec le monde extérieur, mais elle nous a aussi privés de l’interaction humaine à la maison. C’est de cette exploration de l’intimité simulée que sont nés les protagonistes d’Alternate Visions, Richard et Valérie, deux jeunes professionnels occupés qui se rencontrent sur Internet. Leur interaction à travers la technologie s’intensifie jusqu’à ce que l’un des deux suggère une rencontre en personne. Cette rencontre est bien sûr beaucoup plus difficile qu’elle ne le semble, car les deux amoureux n’ont jamais connu l’intimité réelle.
— Genni Gunn
“… certainement l’un des événements d’importance de la saison hommage à ce grand compositeur d’ici.”
E C, La Scena Musicale (Canada), July 2, 2010
“Pas une seule seconde je n’ai regardé sans écouter ou souhaité me détacher de cet univers féerique. À aucun moment je n’ai cru assister à la première imparfaite d’une œuvre en devenir.”
Lucie Renaud, Jeu #134 (Canada), April 8, 2010
“L’eau qui danse, la pomme qui chante et l’oiseau qui dit la vérité, sur un livret de Pierre Morency, a été habillé avec un soin religieux: Le perfectionnisme instrumental (la marque de Lorraine Vaillancourt), le plateau vocal engagé et, surtout, l’inventivité visuelle (projections, éclairages, costumes) témoignent de l’immense respect porté au compositeur.”
Christophe Huss, Opéra Magazine #48 (France), February 1, 2010
“The whole constitutes an impressive sonic acuity. We seem to hear the wind blow, the buzz of insects, the movement of the earth, and even flagrant flowers are given the rare ability to be heard.”
Jacques Hétu, ResMusica (France), November 22, 2009
“The opera, as such, is magnificent: all kinds of stage effects, projections that suggest various places, ingenious lighting that is sometimes directed towards the audience, shadow play, extravagant and luxurious costumes.”
Claude Gingras, La Presse (Canada), November 21, 2009
“From the moment the curtain fell on the stage at the Monument-National, a large number of audience members had the distinct impression of having witnessed a defining moment in the history of contemporary music in Quebec. (…) The audience applauds thunderously, the opera is magnificent.”
Pat White, patwhite.com (Canada), November 20, 2009
“The opera, as such, is magnificent: all kinds of stage effects, projections that suggest various places, ingenious lighting that is sometimes directed towards the audience, shadow play, extravagant and luxurious costumes.”
Lucie Renaud, lucierenaud.blogspot (Canada), November 20, 2009
«… certainement l’un des événements d’importance de la saison hommage à ce grand compositeur d’ici.»
E C, La Scena Musicale (Canada), 2 juillet 2010
«Pas une seule seconde je n’ai regardé sans écouter ou souhaité me détacher de cet univers féerique. À aucun moment je n’ai cru assister à la première imparfaite d’une œuvre en devenir.»
Lucie Renaud, Jeu #134 (Canada), 8 avril 2010
«L’eau qui danse, la pomme qui chante et l’oiseau qui dit la vérité, sur un livret de Pierre Morency, a été habillé avec un soin religieux: Le perfectionnisme instrumental (la marque de Lorraine Vaillancourt), le plateau vocal engagé et, surtout, l’inventivité visuelle (projections, éclairages, costumes) témoignent de l’immense respect porté au compositeur.»
Christophe Huss, Opéra Magazine #48 (France), 1 février 2010
«Le tout forme une acuité sonore impressionnante. L’on croit entendre le vent siffler, bruire les insectes, se déployer les mouvements de la terre, où même les fleurs odoriférantes retrouvent ce pouvoir rare de se faire entendre.»
Jacques Hétu, ResMusica (France), 22 novembre 2009
«Le spectacle comme tel est magnifique: effets scéniques de toutes sortes, projections suggérant divers lieux, éclairages ingénieux et parfois dirigés vers la salle, jeux d’ombres, costumes extravagants et luxueux.»
Claude Gingras, La Presse (Canada), 21 novembre 2009
«Au moment où tombe le rideau sur la scène du Monument-National, un grand nombre de spectateurs a la conviction d’avoir assisté à un évènement phare dans l’histoire de la musique contemporaine québécoise. (…) Le public applaudit à tout rompre, le spectacle est magnifique.»
Pat White, patwhite.com (Canada), 20 novembre 2009
«J’ai cédé en quelques secondes à peine au charme de cet immense ouvrage du duo Tremblay-Morency. La musique de Gilles Tremblay, chatoyante, ondoyante, percutante, s’y collait en aplats particulièrement réussis, qui soutenaient tantôt le côté féerique et mystérieux des quêtes de nos héros et, à d’autres, commentaient astucieusement les états d’esprit des personnages. Une distribution solide, habilement encadrée par Robert Bellefeuille, a défendu l’œuvre avec brio.»
Lucie Renaud, lucierenaud.blogspot (Canada), 20 novembre 2009
Yby, the narrator, half-bird, half-bee, speaks to us through the Talking Drum, and invites us into an enchanted world in which we discover a story where truth triumphs over deceit, where love must conquer three great trials with the discovery of L’eau qui danse (the water that dances), La pomme qui chante (the apple that sings) and l’oiseau qui dit la vérité (the bird that tells no lies) who, by telling the truth, allows two beings to see themselves differently in relation to one another.
In the City of Wonders, surrounded by creatures stemming from nature, bees, flies, wasps, cicadas, grasshoppers, gnats and other tiny creatures, Queen Blondine gives birth to two boys and one girl, each with a gold star on their foreheads and a small golden chain around their necks, while Princess Brunette, gives birth to a boy beaming with beauty. The Queen Mother Poulane is incensed by the arrival of these magnificent children and sends them to their fates on the seas with the help of her Lady in Waiting, Feintise. Discovered by Corsaire and Corsine, who name them Belle-Étoile, Beaujour, Petit-Soleil and Chérot, they grow up loved and protected from their grandmother’s anger.
After learning at age 16 that they could possibly be the children of important Lords, they decide to leave in search of their past. After three months at sea, accompanied by Tourterelle and Sirène, they arrive at the most beautiful city in the world where they are received by the King. Poulane, furious, discovers Feintise’s betrayal, but Feintise swears that she will find a way to get rid of the children, by placing three trials before them.
Risking his life by travelling to the edge of the world, and thanks to Tourterelle’s precious help, Chérot sets out for l’eau qui danse and la pomme qui chante, who each have an immediate and extraordinary effect on the beauty and spirit of Belle-Étoile. The ultimate test, the discovery of l’oiseau qui dit la vérité, reveals to Chérot and Belle-Étoile that they are not brother and sister, allowing the love that has grown between them to burst forth, the lies to be revealed, and the wondrous occasion to be celebrated.
Yby, le narrateur, mi-oiseau, mi-abeille, toujours en dialogue avec le Tambour-Parleur, nous invite dans un monde féerique et nous relate cette histoire où la vérité triompha de la fourberie, où l’amour eut à traverser trois grandes épreuves en découvrant l’eau qui danse, la pomme qui chante, et l’oiseau qui dit la vérité, pour que deux êtres se reconnaissent eux-mêmes l’un à l’autre.
Dans la Ville Merveilleuse, entourés d’êtres menus de la nature, abeilles, mouches, guêpes, cigales, grillons, moucherons et bestiolinettes, la reine Blondine mit au monde deux fils et une fille qui portent au front l’étoile d’or et au cou une chaînette dorée, et la princesse Brunette accouche d’un garçon rayonnant de beauté. La Reine Mère Poulane prit ombrage de l’arrivée de ces magnifiques enfants qu’elle livre secrètement aux flots, avec l’aide de sa Dame d’honneur Feintise. Recueillis par Corsaire et Corsine, qui leur donnent le nom de Belle-Étoile, Beaujour, Petit-Soleil et Chérot, ceux-ci grandissent, aimés et protégés de l’ire de leur grand-mère.
Apprenant à 16 ans qu’ils pourraient être les enfants de grands seigneurs, ils décidèrent d’aller à la découverte de leur origine. Au terme de trois mois de navigation, accompagnés de Tourterelle et Sirène, ils abordèrent au port de la plus belle ville du monde et furent accueillis par le Roi. Poulane, furieuse, découvre la traîtrise de Feintise qui lui jure qu’elle trouvera le moyen de se débarrasser d’eux, et leur impose trois épreuves.
Au péril de sa vie, voyageant aux confins du monde, et grâce au précieux concours de Tourterelle, Chérot va trouver l’eau qui danse et la pomme qui chante, qui ont eu des effets instantanés et formidables sur la beauté et l’esprit de Belle-étoile. L’ultime test, la découverte de l’oiseau magnifique qui dit la vérité, dévoile à Belle-étoile et à Chérot qu’ils ne sont pas frère et sœur, permettant à l’amour qui les trouble de se vivre, aux mensonges de se dénouer et à la fête de se célébrer.
La découverte et la transformation sont au cœur du voyage. Voilà sans doute pourquoi Alexandra David-Néel (1868-1969) a tant voyagé. Après avoir été cantatrice à Tunis, et féministe avant l’heure, elle a embrassé le bouddhisme et quitté son foyer pour braver les interdits et se jouer des difficultés.
La scène se déroule dans les années vingt. Alexandra, alors dans la cinquantaine, a déjà sillonné toute l’Asie en sa qualité d’orientaliste et d’écrivain. Mais un joyau lui échappe toujours: Lhassa, capitale mythique d’un Tibet alors interdit aux occidentaux. Pour l’exploratrice française, à qui le courage et l’entêtement servent de carte de visite, pour la femme assoifée de liberté dont la devise est “Marche où ton cœur te mène et selon le regard de tes yeux”, pour l’érudite en quête de savoirs cachés, cette interdiction est insoutenable.
Elle tente à plusieurs reprises d’entrer au Tibet, mais rencontre échec après échec. Ce qui ne fait qu’attiser son désir et renforcer sa détermination: “On n’entre pas, vraiment? Eh bien, une femme passera!”
Commence alors un formidable voyage clandestin. Pendant plus de huit mois, partie de la Chine, Alexandra fait marche vers Lhassa déguisée en mendiante tibétaine. En compagnie d’Aphur Yongden, jeune tibétain qui deviendra son fils adoptif, elle risque le tout pour le tout dans les montagnes.
Si elle gagne son pari, elle sera la première femme occidentale à pénétrer dans la capitale interdite…
«Le vrai voyageur, c’est celui qui jamais ne tente de revenir en arrière.»Cette citation de Jacques Renaud me semble définir l’essence même du road opera Alexandra, que l’on songe à la vie de l’exploratrice Alexandra David-Néel, au traitement musical de Zack Settel, au travail des interprètes et à la mise en scène de Pauline Vaillancourt, mais surtout à cette impression que, à la sortie de la représentation, nous ne sommes pas entièrement les mêmes, sans être entièrement autres.
En une heure qui semble passer à la vitesse de l’éclair, on devient témoin mais aussi partie prenante — sherpa peut-être? — de cette histoire de dépassement, de volonté de découverte, de coup de foudre pour un pays, un peuple. Grâce à un traitement musical de Settel volontairement modal, très accessible, jouant essentiellement sur les couleurs et les atmosphères, la trame narrative se déploie dans un ailleurs, mais surtout vers l’intérieur, entre fragilité (troublantes mélopées a capella de Jessica Wise) et volonté (ancrage des cors tibétains, chœur d’hommes). Les percussions, prolongement du battement cardiaque, deviennent deuxième narrateur autant que les projections raffinées de Jean Décarie. (Ce «lever de soleil» en montagne, révélé à touches impressionnistes, restera dans ma mémoire.) Le contrepoint entre pulsation rythmique et arabesques lyriques permet d’esquisser un parallèle entre l’effervescence du monde extérieur et l’ancrage plus intemporel du monde intérieur.
Un voyage que j’aurais voulu voir se poursuivre, à travers d’autres fragments du journal de David-Néel […].
Lucie Renaud, lucierenaud.blogspot (Canada), May 17, 2012
En une heure qui semble passer à la vitesse de l’éclair, on devient témoin mais aussi partie prenante — sherpa peut-être? — de cette histoire de dépassement, de volonté de découverte, de coup de foudre pour un pays, un peuple. Grâce à un traitement musical de Settel volontairement modal, très accessible, jouant essentiellement sur les couleurs et les atmosphères, la trame narrative se déploie dans un ailleurs, mais surtout vers l’intérieur, entre fragilité (troublantes mélopées a capella de Jessica Wise) et volonté (ancrage des cors tibétains, chœur d’hommes). Les percussions, prolongement du battement cardiaque, deviennent deuxième narrateur autant que les projections raffinées de Jean Décarie. (Ce «lever de soleil» en montagne, révélé à touches impressionnistes, restera dans ma mémoire.) Le contrepoint entre pulsation rythmique et arabesques lyriques permet d’esquisser un parallèle entre l’effervescence du monde extérieur et l’ancrage plus intemporel du monde intérieur.
Un voyage que j’aurais voulu voir se poursuivre, à travers d’autres fragments du journal de David-Néel […].
Par Lucie Renaud in lucierenaud.blogspot (Canada), 17 mai 2012
Travel is a process of discovery and transformation. It is undoubtedly for this reason that Alexandra David-Néel (1868-1969) travelled so extensively. After being an opera singer in Tunis, and a feminist before her time, she embraced Buddhism and left her home to embrace what was forbidden and to scoff at the difficulties she might encounter.
The story takes place in the 1920’s. Alexandra, then in her fifties, had already criss-crossed Asia as a lover of the Orient and as a writer. Yet one achievement remained out of her grasp: to enter the city of Lhassa, the mythical capital of Tibet, forbidden to all westerners. For this French adventurer whose calling card was her courage and her stubbornness, for this woman with an insatiable thirst for freedom whose motto was “Follow the ways of your heart and whatever your eyes can see”, for this erudite scholar in search of forbidden knowledge, such a prohibition was unbearable.
She tried many times to enter Tibet but suffered setback after setback. This only rekindled her desire and strengthened her determination to continue: “We cannot enter, really? Well, a woman will get through!”
So begins an incredible and clandestine journey. For more than eight months, starting in China, Alexandra marches towards Lhassa disguised as a Tibetan beggar. Accompanied by the young Tibetan Aphur Yongden, who would later become her adopted son, Alexandra risks everything in the mountains.
If her gamble pays off, she will be the first western woman to enter the forbidden capital city…
The opera takes place the night before Gregor’s execution. He doesn’t know why he was arrested. Lying in his cell, exhausted, he falls asleep and in his dreams relives his entire life, distorted as though reflected back to him from a warped mirror: his childhood, his education, his work, the limitations placed on his critical thinking. To add to his confusion, Gregor is accompanied in his dreams by guides stemming from the humanist tradition: Petrarch, Dante, Erasmus, Rabelais, Camus… all worried about the destiny which awaits them and their only living heir. His death would signify their death.
Following Felliniesque logic, all these scenes quickly transform into nightmares and Gregor awakes many times in his cell. A little girl, the incarnation of Mathilda in Dante’s Divine Comedy, keeps him company in the hallway of his death through a little door used to give him food. She will give Gregor the confidence he needs to confront his fate. In the final scene, the soldiers come to get Gregor at dawn for his execution by firing squad. The general asks for his final words. Gregor quotes La Rochefoucauld: «He who lives without folly isn’t as wise as he thinks.» The general screams: «Fire!»
Le rêve de Grégoire (Gregor’s Dream) has ended, and now the metamorphosis can begin…
“What a dazzling show! For once I said to myself that I needed to see and hear the opera again, to take in all the little marvels that are part of it. Not a minute of boredom! The performers, the stage direction, the extraordinary costumes and the MUSIC… it is so reassuring to realize it still exists. The legato and the colour of the voice of the lead performer (Gregoire) were exemplary. Walter Boudreau, in the pit, did marvellous work, you would swear that it was a much bigger orchestra because the amalgamation of sounds was so well put together. And the stage direction… intelligent people are so refreshing…”
Georges Nicholson, May 16, 2014
“François-Olivier Jean’s triple performance as the Narrator, Grégoire in prison and Grégoire in the world of dreams, demonstrates his strong stage presence as he modulates his voice to convey different emotions, from confusion to outrage. Dion Mazerolle portrays the character of Folly with undeniable mastery and Marie-Annick Béliveau (who plays multiple characters) once again shows us her profound knowledge of contemporary music idioms. I would also like to point out the projection and the velvety timbre of the tenor Andrzej Stec, and the elegance of the coloratura Rebecca Woodmass as Matilda.”
Lucie Renaud, Jeu (Canada), May 16, 2014
“This project is supported by a closely-knit and balanced team (…) the performances by François-Olivier Jean in the title role, and by Dion Mazerolle as Folly, were highly impressive. Chants Libres has chosen an ambitious and substantial piece and produced it with care. Le rêve de Grégoire is an exacting and intelligent project (…) The rebellious pounding is supported — ironically enough — by an orchestra that is conducted with infinite subtlety, discipline, originality and inventiveness.”
Christophe Huss, Le Devoir (Canada), May 16, 2014
“The themes are solidly supported by music that is very well written, sprinkled with moments that are full of feeling, dreamlike, darkly humourous, playful and harrowing, alouette! Like in any opera, there were also elements like costumes, sets, choreography, lighting, make-up and other showy set pieces, all frankly well done. It is this theatricality that kept me captivated throughout the whole show. In my opinion Le rêve de Grégoire, without having the pretension to try and teach us something, shows that the composer has talent, ideas to share, solid musical writing, and that he is capable of admirable work.”
Pierre-Luc Sénécal, May 16, 2014
«Quel spectacle éblouissant! Pour une fois je me disais qu’il faudrait que je le réentende et le revois pour assimiler toutes les petites merveilles qui y ont été déposées. Pas une minute d’ennui!! Les interprètes, la mise en scène, les extraordinaires costumes et la Musique… tellement rassurant de réaliser que ça existe encore. Le legato et la couleur de la voix du chanteur principal (Grégoire) étaient exemplaires. Walter Boudreau dans la fosse a fait des merveilles, on aurait juré un gros orchestre tellement les amalgames de sonorités sont bien agencés. Et la mise en scène… les gens intelligents sont donc reposants…»
Georges Nicholson, 16 mai 2014
«François-Olivier Jean dans le triple rôle du narrateur, de Grégoire en prison et de Grégoire dans le monde des rêves, démontre une présence scénique certaine et sait moduler sa voix pour transmettre les différentes émotions, de la confusion à la révolte. Dion Mazerolle campe le personnage de La Folie avec une indéniable maîtrise et Marie-Annick Béliveau (qui incarne une multitude de personnages) fait encore une fois la preuve de sa profonde connaissance de l’idiome contemporain. Soulignons aussi la projection et le velouté du timbre du ténor Andrzej Stec et l’élégance du colorature de Rebecca Woodmass en Mathilde.»
Lucie Renaud, Jeu (Canada), 16 mai 2014
«Le projet est servi par une équipe soudée et équilibrée. (…) les prestations de François-Olivier Jean, dans le rôle-titre, et de Dion Mazerolle, dans le rôle de la Folie, étaient hautement impressionnantes.
Chants Libres a choisi un ouvrage substantiel et ambitieux et lui réserve une production soignée.
Le rêve de Grégoire est un projet exigeant, intelligent (…) Ce pilonnage révolté est soutenu — ironie des choses — par un orchestre traité avec une infinie subtilité, rigueur, originalité et inventivité.»
Christophe Huss, Le Devoir (Canada), 16 mai 2014
«Cette thématique est solidement appuyée par une musique très bien écrite, parsemée de moments sensibles, oniriques, grinçants, ludiques, angoissants, alouette!
Comme dans tout opéra, on retrouvait aussi des éléments de costumes, de décors, de chorégraphies, d’éclairages, de maquillages et autres éléments tape-à-l’œil, tous franchement réussis. C’est d’ailleurs cet aspect théâtral qui m’a gardé captivé tout au long du spectacle.
À mon sens, Le rêve de Grégoire, sans avoir la prétention de prouver quoi que ce soit, démontre que le compositeur a du talent, des idées à revendre, une écriture musicale aguerrie, et qu’il est capable d’un travail admirable.»
Pierre-Luc Sénécal, 16 mai 2014
“Ceux qui y étaient se souviendront de cette histoire aussi captivante que véridique, de ses musiques et chants envoûtants, de ses interprètes émouvants et de la magnifique scénographie de l’artiste montréalaise Dominique Blain.”
Nathalie Petrowski, La Presse (Canada), December 17, 2016
“Director Vaillancourt cleverly and very creatively makes impressive choices of silhouetting names of victims of the government’s excesses. This hits you like a rock and personally reminded me of my other experiences in spaces that recount history of genocide, incarceration and other acts of inhumanness…”
Sinj Karan, Montreal Rampage (Canada), May 23, 2016
“I wholeheartedly applaud Chants Libre for taking on this project (…) Holding a light, such as this compelling new work, to such darknesses of the worst of human behaviour will hopefully cause us all to keep human-rights abuses top of mind.”
Neil Weisensel, The Opera Composer (Canada), May 22, 2016
“J’ai été ravie par l’opéra The Trials of Patricia Isasa de la compagnie Chants Libres. Une distribution admirable. Des chanteurs convaincants. Des voix magnifiques. Brillante mise en scène de Pauline Vaillancourt. Un environnement visuel exceptionnel, Dominique Blain a fait un travail remarquable. Inoubliable! Un chef d’œuvre! À ne pas manquer.”
Francine Grimaldi, Radio-Canada — Première chaîne (Canada), May 21, 2016
“Chants libres frappe fort (…) on a indéniablement droit à un sans faute avec The Trials of Patricia Isasa, un récit fascinant (…) une distribution de haut niveau, quelques airs mémorables et une mise en scène qui fait corps avec le propos. On a envie de revoir cet opéra et de l’apprivoiser en détails.”
Lucie Renaud, lucierenaud.blogspot (Canada), May 20, 2016
“Timely, not timeless, The Trials of Patricia Isasa is a smart production, both in the manner it raises issues of personal and state responsibility for crimes against humanity and for the fitting way it recognizes the courage of a remarkable woman.”
Kiersten van Vliet, La Scena Musicale (Canada), May 20, 2016
Amed and Aziz are nine-year-old twin boys. They live with their parents in the orange grove that their paternal grandfather grew in the desert. One night, a bomb from the other side of the mountain falls on their grandparents’ house and kills them.
Soulayed, the army commander from a neighbouring village, comes and asks Zahed to avenge the death of his parents: “vengeance is the name of your grief.” He has brought with him a belt of explosives. One of the twins is to wear it and go to destroy the enemy encampments on the other side of the mountain. Zahed must choose between Amed and Aziz, which one will become a child suicide bomber. Choosing Aziz is out of the question to him. Aziz suffers from a fatal illness. A sacrifice cannot be made of what is already sacrificed. That would insult God. Amed is the one who will go. Tamara disagrees with her husband’s choice. Unbeknownst to him, she asks Amed to take his brother’s place. This way, she will save one of her sons from death. The two brothers switch places. But after the death of his martyr brother, Amed is struck by remorse and reveals the truth to his father who throws him out of the house immediately. Amed must go into exile in America where Dalimah, Tamara’s sister takes him in.
About 10 years later, Amed is taking training as an actor. Mikaël, his professor, has written a play for his students. He suggests to Amed to play the role of Sony, a child who faces a mercenary who killed his parents. He asks Sony to give him a reason not to spare him. Amed refuses to play this role, which hits too close to home with his painful past. Mikaël insists. To justify his refusal, Amed reveals to him the true mission of his brother Aziz. From his Aunt Dalimah, he learns that his brother exploded himself in the middle of a hundred children. Amed leaves the drama class and will not act in the play. On opening night, Amed surprises everyone by appearing on stage toward the end of the performance. He addresses the mercenary. For a moment, he is Sony, Aziz and Amed. He has conquered the ghosts of his tragic past. He finally talks of peace.
L’opéra se déroule la nuit précédant l’exécution de Grégoire. Il ignore pourquoi il a été arrêté. Épuisé dans sa cellule, il s’endort et voit sa vie défiler devant lui dans ses rêves comme dans un miroir déformé: son enfance, son éducation, son travail, sa pensée critique refoulée. Pour ajouter à sa confusion, Grégoire est accompagné dans ses rêves par des guides venus de l’héritage humaniste: Pétrarque, Dante, Érasme, Rabelais, Camus… tous inquiets du destin qui les attend puisque Grégoire est bel et bien leur seul héritier vivant. Sa mort signifierait leur mort.
Se succédant dans une logique fellinienne, toutes ces scènes se transforment rapidement en cauchemars et Grégoire se réveille à plusieurs reprises dans sa cellule. À travers une petite porte de sa cellule, une jeune fille lui tient compagnie dans le couloir de la mort, incarnation de la Matilde de la Divine Comédie de Dante. Elle donnera à Grégoire la confiance nécessaire pour confronter son destin. Nous venons chercher Grégoire à l’aube pour la scène finale de son exécution par fusillade. Le général lui demande ses dernières paroles. Grégoire cite de La Rochefoucauld: «Qui vit sans folie n’est pas si sage qu’il croit.»
Feu!
Le rêve de Grégoire est terminé, La métamorphose peut commencer…
L’opéra est inspiré de l’histoire vécue par l’architecte argentine militante des droits humains Patricia Isasa. En 1976, étudiante âgée d’à peine 16 ans, elle est enlevée, emprisonnée et torturée par la junte militaire qui a dirigé l’Argentine de 1976 à 1983. Elle était alors l’un des 30 000 citoyens disparus en Argentine durant cette dictature, en raison d’activités telles que l’appartenance à un syndicat, le travail avec les pauvres, ou l’opposition aux politiques économiques. Peu d’entre eux ont survécus.
Patricia sera détenue pendant 2 ans sans être inculpée d’aucun crime. Après sa libération, elle éprouve un profond besoin de retrouver les personnes responsables de son enlèvement, des tortures subies et de sa détention dans une prison demeurée secrète. Elle cherche pendant 33 ans les preuves prouvant son incarcération et les abus de pouvoir des politiciens en place et elle réussit à identifier ses bourreaux et à les faire comparaître en justice. En 2009, six de ses tortionnaires sont condamnés de 19 à 23 ans de détention. Les coupables étaient en poste comme juge fédéral, chef de police et maire de sa ville natale.
Basé sur des entretiens personnels tenus avec Patricia Isasa en 2010, l’opéra soulève la question entourant l’amnistie accordée aux hauts placés des gouvernements, l’utilisation de la torture à des fins politiques, et la nécessité d’agir avec urgence.
The opera is based on the life story of the Argentine architect and human rights activist Patricia Isasa. In 1976 Patricia Isasa — then a high school student, and just 16 years old — was abducted, imprisoned and tortured by the military junta that ruled Argentina from 1976 to 1983. Isasa was one of as many as 30,000 citizens who were “disappeared” in Argentina, often for activities such as belonging to a union, working with the poor or voicing opposition to economic and political policies. Very few survived.
Patricia Isasa was held for 2 years but never charged with any crime. After her release, Isasa felt compelled to find out who had been responsible for her abduction, torture and detention in a secret prison. 33 years after her abduction she managed to identify and bring her torturers to justice. In December 2009 six of Isasa’s torturers were sentenced to 19-23 years behind bars. Those convicted included a federal judge, a chief of police and the mayor of her hometown.
Based on personal conversations held with Patricia Isasa in 2010, the opera raises question about the amnesty given to highly placed people in government, the use of torture for political reasons, and the need to act with urgency.
«Ceux qui y étaient se souviendront de cette histoire aussi captivante que véridique, de ses musiques et chants envoûtants, de ses interprètes émouvants et de la magnifique scénographie de l’artiste montréalaise Dominique Blain.»
Nathalie Petrowski, La Presse (Canada), 17 décembre 2016
«Director Vaillancourt cleverly and very creatively makes impressive choices of silhouetting names of victims of the government’s excesses. This hits you like a rock and personally reminded me of my other experiences in spaces that recount history of genocide, incarceration and other acts of inhumanness…»
Sinj Karan, Montreal Rampage (Canada), 23 mai 2016
«I wholeheartedly applaud Chants Libre for taking on this project (…) Holding a light, such as this compelling new work, to such darknesses of the worst of human behaviour will hopefully cause us all to keep human-rights abuses top of mind.»
Neil Weisensel, The Opera Composer (Canada), 22 mai 2016
«J’ai été ravie par l’opéra The Trials of Patricia Isasa de la compagnie Chants Libres. Une distribution admirable. Des chanteurs convaincants. Des voix magnifiques. Brillante mise en scène de Pauline Vaillancourt. Un environnement visuel exceptionnel, Dominique Blain a fait un travail remarquable. Inoubliable! Un chef d’œuvre! À ne pas manquer.»
Francine Grimaldi, Radio-Canada — Première chaîne (Canada), 21 mai 2016
«Chants libres frappe fort (…) on a indéniablement droit à un sans faute avec The Trials of Patricia Isasa, un récit fascinant (…) une distribution de haut niveau, quelques airs mémorables et une mise en scène qui fait corps avec le propos. On a envie de revoir cet opéra et de l’apprivoiser en détails.»
Lucie Renaud, lucierenaud.blogspot (Canada), 20 mai 2016
«Timely, not timeless, The Trials of Patricia Isasa is a smart production, both in the manner it raises issues of personal and state responsibility for crimes against humanity and for the fitting way it recognizes the courage of a remarkable woman.»
Kiersten van Vliet, La Scena Musicale (Canada), 20 mai 2016
texte à changer
Amed et Aziz sont des jumeaux de neuf ans. Ils vivent avec leurs parents dans L’orangeraie que leur grand-père paternel a fait surgir du désert. Une nuit, un obus venant de l’autre côté de la montagne, tombe sur la maison des grands-parents et les tue.
Soulayed, le chef armé d’un village voisin, vient demander à Zahed de venger la mort de ses parents: «la vengeance est le nom de ton deuil». Il a apporté avec lui une ceinture d’explosifs. L’un des jumeaux devra la porter et aller détruire, de l’autre côté de la montagne, les campements de l’ennemi. Zahed devra choisir entre Amed et Aziz celui qui deviendra un enfant kamikaze. Il n’est pas question pour lui de choisir Aziz. Celui-ci souffre d’une maladie mortelle. Il ne peut sacrifier ce qui est déjà sacrifié. Ce serait insulter Dieu. C’est Amed qui partira. Tamara n’est pas d’accord avec le choix de son mari. À son insu, elle demande à Amed de prendre la place de son frère. Ainsi, elle sauvera l’un de ses fils de la mort. L’échange entre les deux frères a lieu. Mais Amed, après la mort de son frère en martyr, est pris de remords et révèle la vérité à son père qui aussitôt l’expulse de la maison. Amed devra s’exiler en Amérique où il sera accueilli par Dalimah, la soeur de Tamara.
Une dizaine d’années plus tard, Amed suit une formation d’acteur. Mikaël, son professeur, a écrit une pièce de théâtre pour ses étudiants. Il propose à Amed de jouer le rôle de Sony, un enfant qui fait face à un mercenaire. Il a tué ses parents et demande à Sony de lui donner une raison de ne pas l’épargner. Amed refuse de jouer ce rôle, lui rappelant trop son passé douloureux. Mikaël insiste. Pour justifier son refus, Amed lui révèle la véritable mission de son frère Aziz. Grâce à sa tante Dalimah, il a appris que son frère s’est fait exploser au milieu d’une centaine d’enfants. Amed quitte la classe de jeu et ne jouera pas dans la pièce. Le soir de la première, Amed surprend tout le monde en apparaissant sur la scène vers la fin du spectacle. Il s’adresse au mercenaire. Pour un moment, il est Sony, Aziz, Amed. Il a vaincu les fantômes de son passé tragique. Il parle enfin de paix.
The narrative structure of La porte is based on Kafka’s story Before the Law:
“For over 10 years, I was interested in narrative genres of music. Back in 1975, I set a short prose piece by Henri Michaux to music, but for a long time, I was unable to find material that allowed me to create a longer work. It was not until 1985, after a storytelling performance by Alexis Nouss, that I finally found my librettist and our collaboration materialized through a commission from Pauline Vaillancourt with the assistance of Canada Council for the Arts. The La Porte project could be described as a situation in which the traditional storyteller is set to music, not accompanied by music. But since the storyteller also plays the various characters, the result is genre that straddles narrative singing and opera.”
— José Evangelista — Composer (1987)
“On my “work table,” there is this beautiful tale by Alexis Nouss — based on Kafka — as well as this recording that Pauline Vaillancourt did for me, yesterday, to give me some inspiration … The music of José Evangelista tells me a thousand things as it lingers my ears! Hundreds of memories awaken! It imposes its rhythm, its breath, its relevance. So, like the sage in La porte who “goes from village to village dispensing his knowledge,” I imagine this situation: a woman is telling a story. She says a “guard is standing in front of the door” and a “man from the country” is trying to enter. Later (much later?), I say to myself that the stories are not just stories; that there will always be a guard in front of prohibited doors.”
— Joseph Saint-Gelais — Stage Director (1987)
“From my early years as a soloist, I had the opportunity to create many of José Evangelista’s vocal works. From En guise de fête and Arabesco to M. Plume and the monodrama La Porte, with which I had the privilege of travelling quite a bit in Europe, to his grand opera Le Manuscrit trouvé à Saragosse, which José Evangelista agreed to write in 2001 for Chants Libres, the lyrical creation company that I have headed for 27 years.
What a pleasure! What a treat to sing this music that envelopes and radiates the text, surrounded by lights and at the same time mystery, enhanced by curves and colours, thus arming the singer with a powerful weapon to touch the audience’s heart.”
— Pauline Vaillancourt — Artistic Director of Chants Libres and Stage Director (2018)
“For over 10 years, I was interested in narrative genres of music. Back in 1975, I set a short prose piece by Henri Michaux to music, but for a long time, I was unable to find material that allowed me to create a longer work. It was not until 1985, after a storytelling performance by Alexis Nouss, that I finally found my librettist and our collaboration materialized through a commission from Pauline Vaillancourt with the assistance of Canada Council for the Arts. The La Porte project could be described as a situation in which the traditional storyteller is set to music, not accompanied by music. But since the storyteller also plays the various characters, the result is genre that straddles narrative singing and opera.”
— José Evangelista — Composer (1987)
“On my “work table,” there is this beautiful tale by Alexis Nouss — based on Kafka — as well as this recording that Pauline Vaillancourt did for me, yesterday, to give me some inspiration … The music of José Evangelista tells me a thousand things as it lingers my ears! Hundreds of memories awaken! It imposes its rhythm, its breath, its relevance. So, like the sage in La porte who “goes from village to village dispensing his knowledge,” I imagine this situation: a woman is telling a story. She says a “guard is standing in front of the door” and a “man from the country” is trying to enter. Later (much later?), I say to myself that the stories are not just stories; that there will always be a guard in front of prohibited doors.”
— Joseph Saint-Gelais — Stage Director (1987)
“From my early years as a soloist, I had the opportunity to create many of José Evangelista’s vocal works. From En guise de fête and Arabesco to M. Plume and the monodrama La Porte, with which I had the privilege of travelling quite a bit in Europe, to his grand opera Le Manuscrit trouvé à Saragosse, which José Evangelista agreed to write in 2001 for Chants Libres, the lyrical creation company that I have headed for 27 years.
What a pleasure! What a treat to sing this music that envelopes and radiates the text, surrounded by lights and at the same time mystery, enhanced by curves and colours, thus arming the singer with a powerful weapon to touch the audience’s heart.”
— Pauline Vaillancourt — Artistic Director of Chants Libres and Stage Director (2018)
texte à changer
Arias-fr
Coming soon after performance.
Coming soon after performance.
Coming soon after performance.
A remplacer FR
Coming soon after performance.
Coming soon after performance.
A remplacer
Coming soon after performance.
Coming soon after performance.
A remplacer
Coming soon after performance.
A remplacer
Coming soon after performance.Cri
A remplacer
Coming soon after performance.
A remplacer FR
Coming soon after performance.
A remplacer
Coming soon after performance.
A remplacer
Coming soon after performance.
“The peasant’s failures to get through the door, the unspecific location of the failure and the unclear purpose of his pursuit, all of this opens up a space where any number of tedious, recurring, nearly universal modern human quests can be projected onto the stage’s nearly bare space. […] This is part of the confounding condition of social modernity, where we rely on our dealings with apparently human individuals acting as inhuman, mechanical representatives of the Protocols of Authority, individuals who turn out to be oh-so-human. And the confusions of this reality are just leaping off the stage in La Porte, with the help of the excellent performances and stage direction. […] This, for me, was incontrovertible personal proof that the opera had found a way to be useful, to sink in.”
Conor Coady, Montreal Rampage (Canada), June 19, 2018
“[…] la voix chemine en parallèle avec la percussion, qui elle-même vient relayer la narration et l’articule, la fait respirer par des ponctuations sonores. Ce travail est particulièrement limpide dans le conte final du Roi de Perse […]. C’est sur ce conte que l’excellente et très investie Ghislaine Deschambault éteint une à une les 25 bougies.”
Christophe Huss, Le Devoir (Canada), June 4, 2018
“La grande cohésion des interprètes honorait la musique d’Evangelista en faisant naître sur scène un univers éthéré […] la mise en scène dépouillée conçue par Joseph Saint-Gelais et Pauline Vaillancourt mettait en valeur le jeu de la chanteuse. […] la mezzo-soprano Ghislaine Deschambault est parvenue à captiver le public avec brio et à incarner tous les personnages, qui étaient presque aussi nombreux que les bougies qui habillaient la scène d’une lumière vacillante.”
Judy-Ann Desrosiers, L’Opéra (Canada), June 4, 2018
A remplacer
Coming soon after performance.
Amed et Aziz sont des jumeaux de neuf ans. Ils vivent avec leurs parents dans L’orangeraie que leur grand-père paternel a fait surgir du désert. Une nuit, un obus venant de l’autre côté de la montagne, tombe sur la maison des grands-parents et les tue.
Soulayed, le chef armé d’un village voisin, vient demander à Zahed de venger la mort de ses parents: «la vengeance est le nom de ton deuil». Il a apporté avec lui une ceinture d’explosifs. L’un des jumeaux devra la porter et aller détruire, de l’autre côté de la montagne, les campements de l’ennemi. Zahed devra choisir entre Amed et Aziz celui qui deviendra un enfant kamikaze. Il n’est pas question pour lui de choisir Aziz. Celui-ci souffre d’une maladie mortelle. Il ne peut sacrifier ce qui est déjà sacrifié. Ce serait insulter Dieu. C’est Amed qui partira. Tamara n’est pas d’accord avec le choix de son mari. À son insu, elle demande à Amed de prendre la place de son frère. Ainsi, elle sauvera l’un de ses fils de la mort. L’échange entre les deux frères a lieu. Mais Amed, après la mort de son frère en martyr, est pris de remords et révèle la vérité à son père qui aussitôt l’expulse de la maison. Amed devra s’exiler en Amérique où il sera accueilli par Dalimah, la soeur de Tamara.
Une dizaine d’années plus tard, Amed suit une formation d’acteur. Mikaël, son professeur, a écrit une pièce de théâtre pour ses étudiants. Il propose à Amed de jouer le rôle de Sony, un enfant qui fait face à un mercenaire. Il a tué ses parents et demande à Sony de lui donner une raison de ne pas l’épargner. Amed refuse de jouer ce rôle, lui rappelant trop son passé douloureux. Mikaël insiste. Pour justifier son refus, Amed lui révèle la véritable mission de son frère Aziz. Grâce à sa tante Dalimah, il a appris que son frère s’est fait exploser au milieu d’une centaine d’enfants. Amed quitte la classe de jeu et ne jouera pas dans la pièce. Le soir de la première, Amed surprend tout le monde en apparaissant sur la scène vers la fin du spectacle. Il s’adresse au mercenaire. Pour un moment, il est Sony, Aziz, Amed. Il a vaincu les fantômes de son passé tragique. Il parle enfin de paix.
texte à changer
The narrative structure of La porte is based on Kafka’s story Before the Law:
“For over 10 years, I was interested in narrative genres of music. Back in 1975, I set a short prose piece by Henri Michaux to music, but for a long time, I was unable to find material that allowed me to create a longer work. It was not until 1985, after a storytelling performance by Alexis Nouss, that I finally found my librettist and our collaboration materialized through a commission from Pauline Vaillancourt with the assistance of Canada Council for the Arts. The La Porte project could be described as a situation in which the traditional storyteller is set to music, not accompanied by music. But since the storyteller also plays the various characters, the result is genre that straddles narrative singing and opera.”
— José Evangelista — Composer (1987)
“On my “work table,” there is this beautiful tale by Alexis Nouss — based on Kafka — as well as this recording that Pauline Vaillancourt did for me, yesterday, to give me some inspiration … The music of José Evangelista tells me a thousand things as it lingers my ears! Hundreds of memories awaken! It imposes its rhythm, its breath, its relevance. So, like the sage in La porte who “goes from village to village dispensing his knowledge,” I imagine this situation: a woman is telling a story. She says a “guard is standing in front of the door” and a “man from the country” is trying to enter. Later (much later?), I say to myself that the stories are not just stories; that there will always be a guard in front of prohibited doors.”
— Joseph Saint-Gelais — Stage Director (1987)
“From my early years as a soloist, I had the opportunity to create many of José Evangelista’s vocal works. From En guise de fête and Arabesco to M. Plume and the monodrama La Porte, with which I had the privilege of travelling quite a bit in Europe, to his grand opera Le Manuscrit trouvé à Saragosse, which José Evangelista agreed to write in 2001 for Chants Libres, the lyrical creation company that I have headed for 27 years.
What a pleasure! What a treat to sing this music that envelopes and radiates the text, surrounded by lights and at the same time mystery, enhanced by curves and colours, thus arming the singer with a powerful weapon to touch the audience’s heart.”
— Pauline Vaillancourt — Artistic Director of Chants Libres and Stage Director (2018)
Coming soon after performance.
Coming soon after performance.
A remplacer
Coming soon after performance.
A remplacer
Coming soon after performance.
“The peasant’s failures to get through the door, the unspecific location of the failure and the unclear purpose of his pursuit, all of this opens up a space where any number of tedious, recurring, nearly universal modern human quests can be projected onto the stage’s nearly bare space. […] This is part of the confounding condition of social modernity, where we rely on our dealings with apparently human individuals acting as inhuman, mechanical representatives of the Protocols of Authority, individuals who turn out to be oh-so-human. And the confusions of this reality are just leaping off the stage in La Porte, with the help of the excellent performances and stage direction. […] This, for me, was incontrovertible personal proof that the opera had found a way to be useful, to sink in.”
Conor Coady, Montreal Rampage (Canada), June 19, 2018
“[…] la voix chemine en parallèle avec la percussion, qui elle-même vient relayer la narration et l’articule, la fait respirer par des ponctuations sonores. Ce travail est particulièrement limpide dans le conte final du Roi de Perse […]. C’est sur ce conte que l’excellente et très investie Ghislaine Deschambault éteint une à une les 25 bougies.”
Christophe Huss, Le Devoir (Canada), June 4, 2018
“La grande cohésion des interprètes honorait la musique d’Evangelista en faisant naître sur scène un univers éthéré […] la mise en scène dépouillée conçue par Joseph Saint-Gelais et Pauline Vaillancourt mettait en valeur le jeu de la chanteuse. […] la mezzo-soprano Ghislaine Deschambault est parvenue à captiver le public avec brio et à incarner tous les personnages, qui étaient presque aussi nombreux que les bougies qui habillaient la scène d’une lumière vacillante.”
Judy-Ann Desrosiers, L’Opéra (Canada), June 4, 2018
Coming soon after performance.
“The peasant’s failures to get through the door, the unspecific location of the failure and the unclear purpose of his pursuit, all of this opens up a space where any number of tedious, recurring, nearly universal modern human quests can be projected onto the stage’s nearly bare space. […] This is part of the confounding condition of social modernity, where we rely on our dealings with apparently human individuals acting as inhuman, mechanical representatives of the Protocols of Authority, individuals who turn out to be oh-so-human. And the confusions of this reality are just leaping off the stage in La Porte, with the help of the excellent performances and stage direction. […] This, for me, was incontrovertible personal proof that the opera had found a way to be useful, to sink in.”
Conor Coady, Montreal Rampage (Canada), June 19, 2018
“[…] la voix chemine en parallèle avec la percussion, qui elle-même vient relayer la narration et l’articule, la fait respirer par des ponctuations sonores. Ce travail est particulièrement limpide dans le conte final du Roi de Perse […]. C’est sur ce conte que l’excellente et très investie Ghislaine Deschambault éteint une à une les 25 bougies.”
Christophe Huss, Le Devoir (Canada), June 4, 2018
“La grande cohésion des interprètes honorait la musique d’Evangelista en faisant naître sur scène un univers éthéré […] la mise en scène dépouillée conçue par Joseph Saint-Gelais et Pauline Vaillancourt mettait en valeur le jeu de la chanteuse. […] la mezzo-soprano Ghislaine Deschambault est parvenue à captiver le public avec brio et à incarner tous les personnages, qui étaient presque aussi nombreux que les bougies qui habillaient la scène d’une lumière vacillante.”
Judy-Ann Desrosiers, L’Opéra (Canada), June 4, 2018
The narrative structure of La porte is based on Kafka’s story Before the Law:
“For over 10 years, I was interested in narrative genres of music. Back in 1975, I set a short prose piece by Henri Michaux to music, but for a long time, I was unable to find material that allowed me to create a longer work. It was not until 1985, after a storytelling performance by Alexis Nouss, that I finally found my librettist and our collaboration materialized through a commission from Pauline Vaillancourt with the assistance of Canada Council for the Arts. The La Porte project could be described as a situation in which the traditional storyteller is set to music, not accompanied by music. But since the storyteller also plays the various characters, the result is genre that straddles narrative singing and opera.”
— José Evangelista — Composer (1987)
“On my “work table,” there is this beautiful tale by Alexis Nouss — based on Kafka — as well as this recording that Pauline Vaillancourt did for me, yesterday, to give me some inspiration … The music of José Evangelista tells me a thousand things as it lingers my ears! Hundreds of memories awaken! It imposes its rhythm, its breath, its relevance. So, like the sage in La porte who “goes from village to village dispensing his knowledge,” I imagine this situation: a woman is telling a story. She says a “guard is standing in front of the door” and a “man from the country” is trying to enter. Later (much later?), I say to myself that the stories are not just stories; that there will always be a guard in front of prohibited doors.”
— Joseph Saint-Gelais — Stage Director (1987)
“From my early years as a soloist, I had the opportunity to create many of José Evangelista’s vocal works. From En guise de fête and Arabesco to M. Plume and the monodrama La Porte, with which I had the privilege of travelling quite a bit in Europe, to his grand opera Le Manuscrit trouvé à Saragosse, which José Evangelista agreed to write in 2001 for Chants Libres, the lyrical creation company that I have headed for 27 years.
What a pleasure! What a treat to sing this music that envelopes and radiates the text, surrounded by lights and at the same time mystery, enhanced by curves and colours, thus arming the singer with a powerful weapon to touch the audience’s heart.”
— Pauline Vaillancourt — Artistic Director of Chants Libres and Stage Director (2018)
A remplacer
Coming soon after performance.
texte à changer
“For over 10 years, I was interested in narrative genres of music. Back in 1975, I set a short prose piece by Henri Michaux to music, but for a long time, I was unable to find material that allowed me to create a longer work. It was not until 1985, after a storytelling performance by Alexis Nouss, that I finally found my librettist and our collaboration materialized through a commission from Pauline Vaillancourt with the assistance of Canada Council for the Arts. The La Porte project could be described as a situation in which the traditional storyteller is set to music, not accompanied by music. But since the storyteller also plays the various characters, the result is genre that straddles narrative singing and opera.”
— José Evangelista — Composer (1987)
“On my “work table,” there is this beautiful tale by Alexis Nouss — based on Kafka — as well as this recording that Pauline Vaillancourt did for me, yesterday, to give me some inspiration … The music of José Evangelista tells me a thousand things as it lingers my ears! Hundreds of memories awaken! It imposes its rhythm, its breath, its relevance. So, like the sage in La porte who “goes from village to village dispensing his knowledge,” I imagine this situation: a woman is telling a story. She says a “guard is standing in front of the door” and a “man from the country” is trying to enter. Later (much later?), I say to myself that the stories are not just stories; that there will always be a guard in front of prohibited doors.”
— Joseph Saint-Gelais — Stage Director (1987)
“From my early years as a soloist, I had the opportunity to create many of José Evangelista’s vocal works. From En guise de fête and Arabesco to M. Plume and the monodrama La Porte, with which I had the privilege of travelling quite a bit in Europe, to his grand opera Le Manuscrit trouvé à Saragosse, which José Evangelista agreed to write in 2001 for Chants Libres, the lyrical creation company that I have headed for 27 years.
What a pleasure! What a treat to sing this music that envelopes and radiates the text, surrounded by lights and at the same time mystery, enhanced by curves and colours, thus arming the singer with a powerful weapon to touch the audience’s heart.”
— Pauline Vaillancourt — Artistic Director of Chants Libres and Stage Director (2018)
A remplacer
Coming soon after performance.
Coming soon after performance.
Amed et Aziz sont des jumeaux de neuf ans. Ils vivent avec leurs parents dans L’orangeraie que leur grand-père paternel a fait surgir du désert. Une nuit, un obus venant de l’autre côté de la montagne, tombe sur la maison des grands-parents et les tue.
Soulayed, le chef armé d’un village voisin, vient demander à Zahed de venger la mort de ses parents: «la vengeance est le nom de ton deuil». Il a apporté avec lui une ceinture d’explosifs. L’un des jumeaux devra la porter et aller détruire, de l’autre côté de la montagne, les campements de l’ennemi. Zahed devra choisir entre Amed et Aziz celui qui deviendra un enfant kamikaze. Il n’est pas question pour lui de choisir Aziz. Celui-ci souffre d’une maladie mortelle. Il ne peut sacrifier ce qui est déjà sacrifié. Ce serait insulter Dieu. C’est Amed qui partira. Tamara n’est pas d’accord avec le choix de son mari. À son insu, elle demande à Amed de prendre la place de son frère. Ainsi, elle sauvera l’un de ses fils de la mort. L’échange entre les deux frères a lieu. Mais Amed, après la mort de son frère en martyr, est pris de remords et révèle la vérité à son père qui aussitôt l’expulse de la maison. Amed devra s’exiler en Amérique où il sera accueilli par Dalimah, la soeur de Tamara.
Une dizaine d’années plus tard, Amed suit une formation d’acteur. Mikaël, son professeur, a écrit une pièce de théâtre pour ses étudiants. Il propose à Amed de jouer le rôle de Sony, un enfant qui fait face à un mercenaire. Il a tué ses parents et demande à Sony de lui donner une raison de ne pas l’épargner. Amed refuse de jouer ce rôle, lui rappelant trop son passé douloureux. Mikaël insiste. Pour justifier son refus, Amed lui révèle la véritable mission de son frère Aziz. Grâce à sa tante Dalimah, il a appris que son frère s’est fait exploser au milieu d’une centaine d’enfants. Amed quitte la classe de jeu et ne jouera pas dans la pièce. Le soir de la première, Amed surprend tout le monde en apparaissant sur la scène vers la fin du spectacle. Il s’adresse au mercenaire. Pour un moment, il est Sony, Aziz, Amed. Il a vaincu les fantômes de son passé tragique. Il parle enfin de paix.
Amed et Aziz sont des jumeaux de neuf ans. Ils vivent avec leurs parents dans L’orangeraie que leur grand-père paternel a fait surgir du désert. Une nuit, un obus venant de l’autre côté de la montagne, tombe sur la maison des grands-parents et les tue.
Soulayed, le chef armé d’un village voisin, vient demander à Zahed de venger la mort de ses parents: «la vengeance est le nom de ton deuil». Il a apporté avec lui une ceinture d’explosifs. L’un des jumeaux devra la porter et aller détruire, de l’autre côté de la montagne, les campements de l’ennemi. Zahed devra choisir entre Amed et Aziz celui qui deviendra un enfant kamikaze. Il n’est pas question pour lui de choisir Aziz. Celui-ci souffre d’une maladie mortelle. Il ne peut sacrifier ce qui est déjà sacrifié. Ce serait insulter Dieu. C’est Amed qui partira. Tamara n’est pas d’accord avec le choix de son mari. À son insu, elle demande à Amed de prendre la place de son frère. Ainsi, elle sauvera l’un de ses fils de la mort. L’échange entre les deux frères a lieu. Mais Amed, après la mort de son frère en martyr, est pris de remords et révèle la vérité à son père qui aussitôt l’expulse de la maison. Amed devra s’exiler en Amérique où il sera accueilli par Dalimah, la soeur de Tamara.
Une dizaine d’années plus tard, Amed suit une formation d’acteur. Mikaël, son professeur, a écrit une pièce de théâtre pour ses étudiants. Il propose à Amed de jouer le rôle de Sony, un enfant qui fait face à un mercenaire. Il a tué ses parents et demande à Sony de lui donner une raison de ne pas l’épargner. Amed refuse de jouer ce rôle, lui rappelant trop son passé douloureux. Mikaël insiste. Pour justifier son refus, Amed lui révèle la véritable mission de son frère Aziz. Grâce à sa tante Dalimah, il a appris que son frère s’est fait exploser au milieu d’une centaine d’enfants. Amed quitte la classe de jeu et ne jouera pas dans la pièce. Le soir de la première, Amed surprend tout le monde en apparaissant sur la scène vers la fin du spectacle. Il s’adresse au mercenaire. Pour un moment, il est Sony, Aziz, Amed. Il a vaincu les fantômes de son passé tragique. Il parle enfin de paix.
A remplacer
Coming soon after performance.
texte à changer
“For over 10 years, I was interested in narrative genres of music. Back in 1975, I set a short prose piece by Henri Michaux to music, but for a long time, I was unable to find material that allowed me to create a longer work. It was not until 1985, after a storytelling performance by Alexis Nouss, that I finally found my librettist and our collaboration materialized through a commission from Pauline Vaillancourt with the assistance of Canada Council for the Arts. The La Porte project could be described as a situation in which the traditional storyteller is set to music, not accompanied by music. But since the storyteller also plays the various characters, the result is genre that straddles narrative singing and opera.”
— José Evangelista — Composer (1987)
“On my “work table,” there is this beautiful tale by Alexis Nouss — based on Kafka — as well as this recording that Pauline Vaillancourt did for me, yesterday, to give me some inspiration … The music of José Evangelista tells me a thousand things as it lingers my ears! Hundreds of memories awaken! It imposes its rhythm, its breath, its relevance. So, like the sage in La porte who “goes from village to village dispensing his knowledge,” I imagine this situation: a woman is telling a story. She says a “guard is standing in front of the door” and a “man from the country” is trying to enter. Later (much later?), I say to myself that the stories are not just stories; that there will always be a guard in front of prohibited doors.”
— Joseph Saint-Gelais — Stage Director (1987)
“From my early years as a soloist, I had the opportunity to create many of José Evangelista’s vocal works. From En guise de fête and Arabesco to M. Plume and the monodrama La Porte, with which I had the privilege of travelling quite a bit in Europe, to his grand opera Le Manuscrit trouvé à Saragosse, which José Evangelista agreed to write in 2001 for Chants Libres, the lyrical creation company that I have headed for 27 years.
What a pleasure! What a treat to sing this music that envelopes and radiates the text, surrounded by lights and at the same time mystery, enhanced by curves and colours, thus arming the singer with a powerful weapon to touch the audience’s heart.”
— Pauline Vaillancourt — Artistic Director of Chants Libres and Stage Director (2018)
Coming soon after performance.
Amed et Aziz sont des jumeaux de neuf ans. Ils vivent avec leurs parents dans L’orangeraie que leur grand-père paternel a fait surgir du désert. Une nuit, un obus venant de l’autre côté de la montagne, tombe sur la maison des grands-parents et les tue.
Soulayed, le chef armé d’un village voisin, vient demander à Zahed de venger la mort de ses parents: «la vengeance est le nom de ton deuil». Il a apporté avec lui une ceinture d’explosifs. L’un des jumeaux devra la porter et aller détruire, de l’autre côté de la montagne, les campements de l’ennemi. Zahed devra choisir entre Amed et Aziz celui qui deviendra un enfant kamikaze. Il n’est pas question pour lui de choisir Aziz. Celui-ci souffre d’une maladie mortelle. Il ne peut sacrifier ce qui est déjà sacrifié. Ce serait insulter Dieu. C’est Amed qui partira. Tamara n’est pas d’accord avec le choix de son mari. À son insu, elle demande à Amed de prendre la place de son frère. Ainsi, elle sauvera l’un de ses fils de la mort. L’échange entre les deux frères a lieu. Mais Amed, après la mort de son frère en martyr, est pris de remords et révèle la vérité à son père qui aussitôt l’expulse de la maison. Amed devra s’exiler en Amérique où il sera accueilli par Dalimah, la soeur de Tamara.
Une dizaine d’années plus tard, Amed suit une formation d’acteur. Mikaël, son professeur, a écrit une pièce de théâtre pour ses étudiants. Il propose à Amed de jouer le rôle de Sony, un enfant qui fait face à un mercenaire. Il a tué ses parents et demande à Sony de lui donner une raison de ne pas l’épargner. Amed refuse de jouer ce rôle, lui rappelant trop son passé douloureux. Mikaël insiste. Pour justifier son refus, Amed lui révèle la véritable mission de son frère Aziz. Grâce à sa tante Dalimah, il a appris que son frère s’est fait exploser au milieu d’une centaine d’enfants. Amed quitte la classe de jeu et ne jouera pas dans la pièce. Le soir de la première, Amed surprend tout le monde en apparaissant sur la scène vers la fin du spectacle. Il s’adresse au mercenaire. Pour un moment, il est Sony, Aziz, Amed. Il a vaincu les fantômes de son passé tragique. Il parle enfin de paix.
La trame narrative de La porte est inspirée du récit Devant la loi de Kafka:
“Depuis plus de dix ans, je m’intéresse aux genres narratifs en musique. Déjà en 1975, j’ai mis en musique un court texte en prose d’Henri Michaux, mais pendant longtemps je n’ai pas réussi à trouver un matériel qui me permette de faire une œuvre plus longue. Ce n’est qu’en 1985, après un récital de contes d’Alexis Nouss, que j’ai enfin trouvé mon librettiste et notre collaboration s’est matérialisée par une commande de Pauline Vaillancourtavec l’aide du Conseil des arts du Canada. Le projet de La porte pourrait être décrit comme une réalisation de la situation du conteur traditionnel mise en musique et non pas accompagnée de musique. Mais puisque le conteur (conteuse ici) joue également les différents personnages, le résultat est un genre à cheval entre la chanson narrative et l’opéra.»
— José Evangelista — compositeur (1987)
«Sur ma «table de travail», il y a ce beau conte d’Alexis Nouss — d’après Kafka —; aussi cet enregistrement que Pauline Vaillancourt me fit, hier, histoire de me donner des idées … La musique de José Evangelista collée à mes oreilles me raconte mille choses! Réveille cents souvenirs! Elle impose son rythme, sa respiration, sa pertinence.
Alors, comme le sage de La porte qui «allait de village en village dispenser son savoir», j’imagine cette situation: une femme raconte une histoire. Elle nous dit qu’un «gardien se tient devant la porte» et qu’un «homme de la campagne» essaie d’entrer.
Plus tard (beaucoup plus tard?), je me dis que les histoires ne sont pas que des histoires; qu’il y aura toujours un gardien devant des portes interdites.»
— Joseph Saint-Gelais — metteur en scène (1987)
«Dès mes premières années d’interprète soliste j’ai eu la chance de créer plusieurs œuvres vocales de José Evangelista. De En guise de fête et Arabesco, en passant par les M. Plume et le monodrame La porte, avec lequel j’ai eu le privilège de faire pas mal de chemin en Europe, jusqu’à son grand opéra Le Manuscrit trouvé à Saragosse, que José Evangelista a accepté d’écrire en 2001 pour Chants Libres, compagnie lyrique de création que je dirige depuis 27 ans.
Quel plaisir! Quelle fête que de chanter cette musique qui enrobe et irradie le texte, l’entoure de lumières et en même temps de mystère, l’enjolive de courbes et de couleurs, donnant ainsi au chanteur une arme redoutable pour atteindre son public au cœur.»
— Pauline Vaillancourt — Directrice artistique de Chants Libres et metteure en scène (2018)
La trame narrative de La porte est inspirée du récit Devant la loi de Kafka:
«Depuis plus de dix ans, je m’intéresse aux genres narratifs en musique. Déjà en 1975, j’ai mis en musique un court texte en prose d’Henri Michaux, mais pendant longtemps je n’ai pas réussi à trouver un matériel qui me permette de faire une œuvre plus longue. Ce n’est qu’en 1985, après un récital de contes d’Alexis Nouss, que j’ai enfin trouvé mon librettiste et notre collaboration s’est matérialisée par une commande de Pauline Vaillancourtavec l’aide du Conseil des arts du Canada. Le projet de La porte pourrait être décrit comme une réalisation de la situation du conteur traditionnel mise en musique et non pas accompagnée de musique. Mais puisque le conteur (conteuse ici) joue également les différents personnages, le résultat est un genre à cheval entre la chanson narrative et l’opéra.»
— José Evangelista — compositeur (1987)
«Sur ma «table de travail», il y a ce beau conte d’Alexis Nouss — d’après Kafka —; aussi cet enregistrement que Pauline Vaillancourt me fit, hier, histoire de me donner des idées … La musique de José Evangelista collée à mes oreilles me raconte mille choses! Réveille cents souvenirs! Elle impose son rythme, sa respiration, sa pertinence. Alors, comme le sage de La porte qui «allait de village en village dispenser son savoir», j’imagine cette situation: une femme raconte une histoire. Elle nous dit qu’un «gardien se tient devant la porte» et qu’un «homme de la campagne» essaie d’entrer. Plus tard (beaucoup plus tard?), je me dis que les histoires ne sont pas que des histoires; qu’il y aura toujours un gardien devant des portes interdites.»
— Joseph Saint-Gelais — metteur en scène (1987)
«Dès mes premières années d’interprète soliste j’ai eu la chance de créer plusieurs œuvres vocales de José Evangelista. De En guise de fête et Arabesco, en passant par les M. Plume et le monodrame La porte, avec lequel j’ai eu le privilège de faire pas mal de chemin en Europe, jusqu’à son grand opéra Le Manuscrit trouvé à Saragosse, que José Evangelista a accepté d’écrire en 2001 pour Chants Libres, compagnie lyrique de création que je dirige depuis 27 ans. Quel plaisir! Quelle fête que de chanter cette musique qui enrobe et irradie le texte, l’entoure de lumières et en même temps de mystère, l’enjolive de courbes et de couleurs, donnant ainsi au chanteur une arme redoutable pour atteindre son public au cœur.»
— Pauline Vaillancourt — Directrice artistique de Chants Libres et metteure en scène (2018)
«The peasant’s failures to get through the door, the unspecific location of the failure and the unclear purpose of his pursuit, all of this opens up a space where any number of tedious, recurring, nearly universal modern human quests can be projected onto the stage’s nearly bare space. […] This is part of the confounding condition of social modernity, where we rely on our dealings with apparently human individuals acting as inhuman, mechanical representatives of the Protocols of Authority, individuals who turn out to be oh-so-human. And the confusions of this reality are just leaping off the stage in La Porte, with the help of the excellent performances and stage direction. […] This, for me, was incontrovertible personal proof that the opera had found a way to be useful, to sink in.»
Conor Coady, Montreal Rampage (Canada), 19 juin 2018
«[…] la voix chemine en parallèle avec la percussion, qui elle-même vient relayer la narration et l’articule, la fait respirer par des ponctuations sonores. Ce travail est particulièrement limpide dans le conte final du Roi de Perse […]. C’est sur ce conte que l’excellente et très investie Ghislaine Deschambault éteint une à une les 25 bougies.»
Christophe Huss, Le Devoir (Canada), 4 juin 2018
«La grande cohésion des interprètes honorait la musique d’Evangelista en faisant naître sur scène un univers éthéré […] la mise en scène dépouillée conçue par Joseph Saint-Gelais et Pauline Vaillancourt mettait en valeur le jeu de la chanteuse. […] la mezzo-soprano Ghislaine Deschambault est parvenue à captiver le public avec brio et à incarner tous les personnages, qui étaient presque aussi nombreux que les bougies qui habillaient la scène d’une lumière vacillante.»
Judy-Ann Desrosiers, L’Opéra (Canada), 4 juin 2018
